Üç sanatçı, üç soru – İsrail Kültürü
Son birkaç aydır 15 İsrailli sanatçıya aynı üç soruyu sordum ve yanıtların çeşitliliği beni büyüledi.
Bazı sanatçılar özgünlük ararken, diğerleri bunun yaratmanın özü olmadığını ve çalışma motivasyonlarının bu olmadığını kanıtlar. Bazıları ise, geçmişteki sanatçılara bilinçli bir şekilde atıfta bulunur, çalışma yöntemlerini alıntılar, ancak işe kişisel bir dokunuş katar.
Sanat tarihinde binlerce yıl boyunca, özgünlük her zaman başarının temel bileşeni olmamıştır. Ancak hepimiz Rembrandt veya Monet’nin resimlerini biliyoruz, onların tarzlarını takip eden sanatçıları değil.
Bu köşede öznel seçimimle, eserleri izleyicide kalıcı olan, bir kez görüldükten sonra bir daha görülmemesi mümkün olmayan sanatçıları seçmeye çalışıyorum.
Üç sanatçı üç soruma cevap vermeyi kabul etti:
1. Size ne ilham veriyor?
2. Sanata ne ad veriyorsunuz?
3. Sizce sanat eserinizi diğer sanatçılarınkinden farklı kılan nedir?
Yossi Mark
Yossi Mark, Tel Aviv Üniversitesi’nde felsefe ve sosyal bilimler, Avni Enstitüsü’nde ise resim okudu. 1954 doğumlu, Petah Tikva’da yaşıyor ve çalışıyor. Çalışmalarını çok sayıda solo ve grup sergisinde sergiledi ve Petah Tikva Sanat Müzesi’ndeki Görsel Sanatlar Enstitüsü’nün kurucusu, öğretmeni ve yöneticisidir.
2010 yılında Kültür ve Spor Bakanlığı Görsel Sanatlar Ödülü’ne layık görüldü; 2017 yılında Kültür ve Spor Bakanlığı Görsel Sanatlar Ödülü; ve 24 Haziran’da Tel Aviv Sanat Müzesi’nde Shiff Figüratif-Gerçekçi Sanat Ödülü 2024. 160’ı aşkın sanatçı arasından seçilen ödül, 10.000 dolarlık bir hibeyi ve Tel Aviv Sanat Müzesi’nde 2025 yılında yapılması planlanan bir kişisel sergiyi içeriyor.
Sanatçının başarısının alıntısı şöyledir: “… kıdemli ve sevilen İsrailli sanatçı. Eserleri, büyüleyici bir deneyim sunuyor ve tam kontrolün büyüleyici bir görünümünü, nadir kalem, akrilik ve yağlı boyanın içe dönük bir görünümüyle birleştiriyor.”
ile konuşmak DergiMark, eski Venedik ustalarının tekniğine çok bağlı olduğunu açıkladı. Tek bir farkla: “Resmin ikinci aşamasında onlar temper kullandılar, ben de akrilik kullandım. Ama onlar gibi ben de karakalemle başlıyorum. Daha sonra akrilik ve yağlı boya katmanlarının arasından gösteriliyor.” Amacı nispeten şeffaf bir etki elde etmektir. Mark çalışmalarını tek renkli tutuyor.
Derinden hümanist yaklaşımı ve büyük hassasiyetiyle bilinir. Her resim aylarca süren bir çalışma gerektirir. Gözlem yoluyla canlı figürler çizer. Mark modelini mikroskobik bir dikkatle inceler. Figürün her milimetresini ölçer – kelimenin tam anlamıyla – ve ölçüm işaretlerini bitmiş resimde görünür bırakır.
Mark ayrıca yaşam tarzında gelenekseldir; bir web sitesi veya Instagram’ı yoktur. Bana “Mümkün olduğunca dijital bağlantılardan kaçınmaya çalışıyorum. Kişisel olanları tercih ediyorum,” diye açıkladı. “Cep telefonum yok. Ödülü aldığımdan beri artık karımın telefonunu kullanıyorum ve insanlar beni arıyor.”
İLHAM: “Samimi, sahnelenmemiş anlar beni içine çekiyor. Bu sessiz tefekkür bölümleri, sessiz, toplanmış bir alanda iç gözlemi talep ederek aşılanmış durumda. Bunlar, basit, çıplak bir varoluşa dair geçici bakışlar.
“Benzer şekilde, hem geçmiş hem de şimdiki büyük ustaların eserlerinden ilham alıyorum: Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Caravaggio, George de La Tour, Edward Hopper, Andrew Wyeth ve diğerleri.
“Varlığın, özün ve insan durumunun şiirsel ve ruhsal tefekkürleriyle iç içe geçmiş, samimiyet duygusunu besleyen canlı görsel deneyimleri yakalıyorlar.
“Tüm bu unsurlar – samimi, içe dönük, ustaların yankıları – görsel dikkatimi ateşliyor ve beni odaklanmış bir konsantrasyon durumuna doğru teşvik ediyor. Bunlar yaratıcı sürecimi ateşleyen katalizörler.”
SANATIN ANLAMI: “Bana göre sanat, derin aynalar yaratmaya çalışan canlı bir varlıktır. İzleyicileri duyularını, duygularını ve zekalarını harekete geçiren derin bir yolculuğa davet eder, aynı zamanda biçim ve içerik arasında uyumlu bir denge sağlar. Sanat, şeyleri bilme biçimlerimiz (epistemoloji), gerçekliğin doğası (ontoloji) ve yaşanmış deneyim (fenomenoloji) arasında bir köprü görevi görür. Bir sanatçının devam eden yolculuğu, onu yakalamaya ve sonra kendi gerçeği olarak yeniden formüle etmeye çalışan gerçeklikle bir yüzleşmedir.
“Görsel sanat, görme duyusunun içgörüye dönüştüğü zaman gelişir ve en iyi haliyle sanat eseri, izleyicinin bilincini değiştiren dönüştürücü ve çağrıştırıcı bir güce sahiptir.
“Ancak o zaman tefekkür için değerli bir araç haline gelir.”
MARK’S ART: “Çalışmalarım belirgin bir şekilde gerçekçiliğe, gerçekliği gözlemlemeye ve yansıtmaya dayanırken, yüzeyin tamamen illüzyonist bir taklidinden kasıtlı olarak kaçınır. Bu, birçok gerçekçi ressamın daha yaygın yaklaşımıyla çelişir. Ampirik gerçekliği, en doğrudan görsel anlamıyla, çizgilerin, tonların ve şekillerin biçimsel bir düzenlemesine dönüştürüyorum. Öznenin morfolojik ve tektonik yönlerini vurgulayarak, kısıtlı bir renk kullanımı kullanıyorum. Sürecim kasıtlı ve genişletilmiştir ve tüm görüntünün temelini oluşturan iskelenin izlerini bırakır. Bu izler, nihai resimde görünür bir altyapı olarak mevcuttur. Bu yaklaşım, görüntüyü yoğunlaştırmayı ve damıtmayı amaçlamaktadır.
“Çalışmalarımdaki bir diğer ayırt edici unsur, anlatı ve dil arasındaki diyalogdur. Resimlerimdeki figürler ifadeleri, bakışları, beden dilleri ve duruşlarıyla bir şefkat, sıcaklık ve empati duygusu yayıyor. Bu, çalışmalarımı destekleyen varoluşçu zihniyeti yansıtıyor.”
Sanatçının sitesi bulunmadığı için bakınız: chelouchegallery.com/artists/yossi-mark/
Gili Avissar
1980’de Hayfa’da doğan multidisipliner bir sanatçı olan Gili Avissar, Kudüs’teki Bezalel Sanat ve Tasarım Akademisi’nden Güzel Sanatlar Lisansı ve Güzel Sanatlar Yüksek Lisansı derecesi aldı. Büyük ölçekli tekstil enstalasyonları, heykeller, performanslar ve videolar üretiyor.
Tel Aviv’de 20 yılı aşkın bir süre yaşayıp çalıştıktan sonra, iki yıl önce memleketine geri dönmeye karar verdi ve yakın zamanda burada “Pardes” adlı kişisel sergisini açtı. Hecht Müzesi, Hayfa Üniversitesi’nde. İki aydan fazla bir süre boyunca arkeolojik zemindeki alanı (750 m2) stüdyosu olarak kullandı ve gösteriyi hazırladı. Avissar sanatına bir sergi alanı eklemeyi seviyor.
Eserleri yoğun, renkli, çok canlıdır. Sanatçı, “her yerde bulunabilen” kumaş, kağıt, ahşap, karton ve plastik malzeme kalıntılarını topluyor. Onlara şekiller vererek yeni nesneler yaratıyor.
Enstalasyonlarına bakıldığında, nesne yapımı ve performans arasında bir diyalog gibi görünüyorlar. Avissar, dansçılar da dahil olmak üzere farklı disiplinlerden sanatçılarla işbirliği yapmayı seviyor. Bunun üzerine, daha önceki eğitimini anımsatan moda unsurlarını da ekliyor (gençliğinde, Hayfa’da sanatsal bir profile sahip bir lisede moda okudu). Moda tasarımcısı olarak bir kariyer peşinde koşmamış olsa da, sanatında bir iz bıraktı. Tekstilleri ve kendi bedenini kullanıyor, genellikle enstalasyonlarının ve performanslarının bir parçası olarak giyiniyor.
Dergiye konuşan ünlü oyuncu, kırmızı halı etkinliklerini ve defileleri izlemekten hoşlandığını ancak “Sanatta özgürlüğümü buldum” dedi.
Avissar, Kültür ve Spor Bakanlığı Genç Sanatçılar Ödülü’nün (2012), Rabinovich Sanat Vakfı Ödülü’nün (2012, 2010) ve daha fazlasının sahibidir. Sanatı İsrail, Almanya, Çekya (Çek Cumhuriyeti) ve Amerika Birleşik Devletleri’ndeki birçok müze ve galeride sergilenmiştir.
İLHAM: “İlham her yerdedir, ya da daha doğrusu ‘motivasyon’ kelimesini kullanırım. Harekete geçmenizi ve yaratmanızı sağlayan şey nedir? İsrail’deki gergin durum beni harekete geçiriyor, insanlar arasındaki ilişkiler beni harekete geçiriyor. ‘İlham’ kelimesi sadece güzel şeylermiş gibi geliyor ve insanlar sizi sanat yapmaya zorlayabilir, ama bunun tersi de doğrudur. Belki de çirkinlikten yaratarak onu daha güzel hale getiriyorsunuz.”
SANATIN ANLAMI: “Genellikle müze ve galeri mekanlarının çok dışında olan şeylere sanat diyorum, çünkü sanat benim için dışarıda var oluyor. İster doğa ister insanlar olsun, dünyanın sunduğu her şeye bakmaktan zevk alıyorum. Gerçek sanatı genellikle doğada görüyorum ve bu şeylerin nasıl yapıldığını, kimin yarattığını ve sanatçının kim olduğunu merak ediyorum.”
AVISSAR’IN SANATI: “Kendimi ve sanatımı başkalarından ayırmakta zorlanıyorum. Bir sanatçı olarak her gün çok yalnız bir ortamda çalışıyorsunuz, aynı zamanda bir sanatçı topluluğunun da parçası oluyorsunuz. Etrafınızda gördüklerinizle ilişki kurarsınız. Kendinizi eşsiz hissedebilirsiniz ama aynı zamanda daha büyük bir şeyin parçasısınız. Hem farklı hem de çok benzer hissediyorum ve burada gerçek bir gerilim var.”
www.instagram.com/giliavissar/
Tal Şoşan
Heykeltıraş, performans sanatçısı ve çizim sanatçısı Tal Shoshan, 1969’da Hayfa’da doğdu. Askerlik hizmetinden sonra Kudüs, Londra, Tel Aviv ve Ramat Gan’a taşındı, ardından 12 yıl önce Givatayim’e yerleşti.
Shoshan, Bezalel Sanat ve Tasarım Akademisi’nden Mücevher ve Giyim Aksesuarları Bölümü’nde lisans derecesine ve Londra’daki Wimbledon Sanat Koleji’nden yüksek lisans derecesine sahiptir. Shoshan, 2007-2014 yılları arasında Kibbutzim Semineri’nde Tasarım Bölümü’nde giyim ve aksesuar alanına başkanlık etti. Mifal HaPais hibesi (2017) ve Handler Ödülü’nü (2014) kazandı ve İsrail’de ve yurtdışında birçok solo ve grup sergisine katıldı.
Bir heykeltıraş olarak çeşitli tekstillerle çalışıyor ve sanatının içeriğinde edebiyata ve doğaya atıfta bulunuyor. İzleyicilere genellikle zor mesajlar göstermek için yumuşak malzemeler kullanıyor. Mevcut sergisi “Gecenin Birinde” Chelouche Galerisiheykeller yapmak için banyo havlusu parçalarını kullandı. Her şeyin geçici olduğunu ortaya çıkardı. Tek çadır. Bir şenlik ateşinin kalıntıları. Uyku tulumu. Büyük bir tohum kabuğu. Nesneler, bir zamanlar sağlam bir hikaye olan şeyin geçici ve parçalanmış işaretleridir.
“Kişisel olandan evrensel olana, özel etkileşimlerden günlük hayatımızda karşılaştığımız şiddetli, rahatsız edici çevrelere doğru salınan manzaralar yaratıyorum” dedi. Dergi.
İLHAM: “Etrafımda beni çevreleyen her şeyden ilham alıyorum: Kafamda çalan ve bırakmayan bir cümle, yere düşen bir yaprak, oğlumun dolapta unuttuğu gömleği, takdir ettiğim birinin yaratıcı eylemi, her türden harita ve farklı malzemeler. En güçlü ilham kaynakları, bende huzursuzluk ve çatışma hissi uyandıran konulardır; kişisel, politik veya sosyal düzeyde, bunlar beni stüdyoya kadar takip edecek ve tepki vermemi sağlayacaktır. İlhamımın en kalıcı ve tutarlı kaynakları, sanatsal dilimin ayrılmaz bir parçası haline gelen doğa ve insan vücuduyla karşılaşmalarımla ilgilidir.”
SANATIN ANLAMI: “İyi bir sanat eseri kelimelere ve metne dayanmaz. Duyularınızı uyandırmalı ve sizi harekete geçirmeli, sizinle bir diyalog kurmalıdır. Kelimeler daha sonra gelecektir.
“Benim için sanat, insan yaratımının ve yaratıcılığının sıra dışı ve olağanüstü tarafıyla tanışma fırsatıdır; içimdeki bir ritmi, bir düşünceyi, bir duyguyu veya dokunma arzusunu harekete geçiren bir taraf. Kafamda çalmaya devam edecek ve ondan bir şey, hatta küçük bir parça bile kalacak. Neredeyse görünmez parçacık benimle birlikte yürümeye devam edecek.”
SHOSHAN’IN SANATI: “Son on yılda beni en çok büyüleyen şeyin, geliştirmekte olduğum bir fikri en iyi şekilde ifade edecek maddi bir dil arayışı olduğunu keşfettim. Çalışma sürecim uzun ve çeşitlidir ancak prensip genellikle aynıdır; en uygun görsel dilin tutkulu arayışı. Bu yavaş süreç, neyin görsel dayanak noktası olarak hizmet edebileceğini iyice anlamamı sağlıyor.
“Maddi dilin çözümlenmesi, yeni malzemeleri birleştirme, onları test etme ve değiştirme, ayrıştırma, ıslatma, dikme, ısıtma gibi onları etkileyebilecek veya değiştirebilecek bağlantılar ve eylemler arama gibi uzun ve yorucu bir araştırma sürecini içerir.
“Malzeme, formlar ve fikirlerle uğraşmaktan daha az önemli değildir; fikrin kalbi olabilir.”
www.talshoshan.com/
